Retour aujourd’hui sur Peaceful Warrior, un film de Victor Salva de 2006 que j’ai vu il y a quelques semaines et que j’ai beaucoup aimé. L’histoire s’intéresse au personnage de Dan Millman (joué par Scott Mechlowicz), un jeune athlète talentueux, plein de succès, riche et courtisé par la gente féminine. Néanmoins, malgré l’insolente confiance qu’il affiche au quotidien, Dan a l’étrange sentiment qu’il lui manque quelque chose dans la vie. Quoi qu’il en soit, il continue de s’entrainer dur pour avoir une chance de participer aux prochains Jeux Olympiques et pourquoi pas d’en ramener une médaille. Mais un beau jour, à une station de service, il rencontre un énigmatique étranger (Nick Nolte) qui l’embarque dans un voyage spirituel à la découverte du vrai chemin de la victoire.

Présenté comme ça, le film pourrait paraître un peu banal et ennuyeux mais si vous voulez mon avis, c’est vraiment tout le contraire. J’ai eu un vrai coup de cœur pour ce film qui est loin d’être parfait mais dans lequel je suis rentré totalement. Même s’il aborde des thèmes pas forcément novateur comme la réussite, le bonheur ou encore le dépassement de soi, il propose un traitement qui, lui, est plutôt inédit, aussi bien sur le fond que sur la forme. En effet, le voyage que Dan entreprend va l’emmener sur une route à mi-chemin entre le rêve et la réalité. Et le vrai combat va se jouer avec lui-même, c’est-à-dire avec tous ses démons intérieurs qui lui pourrissent l’existence et qui l’empêchent d’être véritablement heureux. J’entends par là l’arrogance, l’insouciance ou encore l’orgueil qui le caractérise. Sur le fond, le film est donc plutôt intéressant même si on pourrait lui reprocher d’être un peu trop démagogique et moralisateur à certains moments. Ce que je ne ferais pas car j’ai tellement apprécié le film que je suis passé outre sans difficulté. Le problème vient donc plus de la forme car ce n’est jamais évident d’arriver à concilier les moments de rêve et de réalité sans être trop confus pour le spectateur. Et à ce niveau-là, je dois reconnaître que le film ne s’en sort qu’à moitié dans la mesure où je l’ai trouvé parfois un peu maladroit dans sa façon de représenter les choses. Mais allez savoir pourquoi, c’est aussi dans cette maladresse que le film est parvenu à me toucher.

Côté casting, je dois dire que j’ai été assez séduit par le duo atypique composé de Scott Mechlowicz et Nick Nolte. Si je découvrais complètement le premier avec ce film, je restais en revanche sur une très bonne impression du second dans Warrior. Un film que j’ai littéralement adoré et dont son interprétation lui vaut d’ailleurs une nomination aux Oscars en tant que meilleur second rôle masculin. Une nomination absolument pas volée tant sa prestation était éblouissante, au même titre que celle de Tom Hardy d’ailleurs. Mais plus que leurs performances individuelles, c’est surtout l’alchimie entre les deux acteurs que j’ai envie de retenir de ce Peaceful Warrior. Effectivement, même si c’est le personnage de Dan qui est bousculé dans ses convictions par celui qu’il appelle Socrate, l’échange est mutuel et le maître ne reste pas aussi insensible au sort de son élève qu’il ne le laisse croire. Bref, la relation de travail entre les deux est particulièrement intéressante et évolue progressivement vers une relation proche de l’amitié. Enfin, je ne peux pas terminer cette critique sans évoquer la magnifique BO de Bennett Salvay. Ceux qui me lisent commencent à le savoir, c’est un aspect auquel je suis très attentif, surtout quand ça rajoute une émotion particulière et c’était vraiment le cas ici.

En conclusion, Peaceful Warrior est un film pas exempt de tout reproche mais absolument formidable si on rentre à 100 % dedans. L’histoire est intéressante, les acteurs sont plutôt bons et la bande originale est superbe. C’est l’exemple type de film passé inaperçu lors de sa sortie et qu’on prend beaucoup de plaisir à découvrir. Bref, un film à voir car malgré ses quelques défauts, il ne nous laisse absolument pas indifférent !

PS: Pour le plaisir, voici un de mes morceaux préférés de la bande originale.

La Taupe est le second film de Tomas Alfredson après Morse en 2009. Il s’agit d’un thriller policier mettant en scène des acteurs de grande qualité tels que Gary Oldman (George Smiley), Colin Firth (Bill Haydon), Tom Hardy (Ricky Tarr), John Hurt (Contrôle), Toby Jones (Percy Alleline), Marc Strong (Jim Prideaux) ou encore Benedict Cumberbatch (Peter Guillam).

Quant à l’histoire, celle-ci s’intéresse aux services secrets britanniques en pleine période de guerre froide. Suite à une mission ratée en Hongrie, le patron du MI6 se retrouve sur la touche avec son fidèle lieutenant, George Smiley. Pourtant, Smiley est bientôt secrètement réengagé sur l’injonction du gouvernement, qui craint que le service n’ait été infiltré par un agent double soviétique. Épaulé par le jeune agent Peter Guillam, Smiley tente de débusquer la taupe. Parallèlement, Smiley apprend que son ancien chef a réduit la liste des suspects à cinq noms : l’ambitieux Percy Alleline, le charmeur Bill Haydon, Roy Bland, qui jusqu’ici, a toujours fait preuve de loyauté, le très zélé Toby Esterhase… et Smiley lui-même.

De manière générale, j’ai trouvé le film plutôt décevant dans la mesure où il promettait beaucoup sur le papier et qu’au final, le résultat est quand même en dessous de ce qu’on pouvait légitimement attendre d’une telle réalisation. La faute selon moi à un manque terrible de rythme qui mène inexorablement à l’ennui. Sur un film de deux heures, ça ne pardonne vraiment pas. J’avoue personnellement que j’ai dû un peu me forcer pour ne pas décrocher car bizarrement, si le film a réussi à m’intéresser de par son histoire de fond, il n’est jamais vraiment parvenu à me captiver. Si ce n’est peut-être durant l’opération périlleuse au sein du Circus pour récupérer des documents confidentiels. C’est l’une des rares séquences où on pouvait parfaitement ressentir toute l’intensité qui régnait dans ce type d’organisation. C’est dommage car sur la forme, le film était particulièrement soigné (peut-être trop diront certains) et retranscrivait avec beaucoup de précision l’ambiance d’époque.

Quant au casting, j’ai trouvé l’ensemble des acteurs plutôt bons même si malgré tous leurs efforts pour donner vie à leurs personnages, ceux-ci manquaient quand même cruellement de relief. Mais si je devais sortir un seul acteur parmi tous ceux présents, je dirais Benedict Cumberbatch que je ne connaissais absolument pas et qui m’a fait une très bonne impression. C’est de loin le personnage le plus intéressant du film. Et comparé à tous les autres, je trouve qu’il sortait pas mal du lot. A ses côtés, j’ai également trouvé Tom Hardy à son avantage même s’il ne jouait pas un très grand rôle. C’est un acteur que j’apprends à découvrir avec le temps et qui m’impressionne de plus en plus. Le voir dans un thriller policier un peu rétro après l’avoir vu dans Warrior, c’est plutôt déroutant et pourtant il est convaincant dans les deux. Quant à Gary Oldman, c’est un très bon acteur mais j’avoue que sa prestation ne m’a pas emballé plus que ça. Faudra d’ailleurs m’expliquer pourquoi il est nominé aux Oscars pour ce rôle en tant que meilleur acteur. Dans des registres différents, j’ai trouvé les prestations de Leonardo DiCaprio et dans une moindre mesure de Michael Fassbender beaucoup plus impressionnante et pourtant ils ne figurent pas dans les nominations. Enfin bon, c’est les Oscars…

En conclusion, La Taupe est un film qui avait tout pour plaire au départ et qui se perd petit à petit dans une intrigue complexe et une mise en scène presque trop soignée. Il n’empêche que l’histoire est tout de même intéressante si on s’accroche un peu, tout comme l’ambiance d’époque qui est parfaitement retranscrite. Bref, un “beau” film qui peine à réellement captiver le spectateur.

Je reviens aujourd’hui sur un autre film sorti début d’année, il s’agit de A Dangerous Method. Un film réalisé par David Cronenberg et emmené par un casting des plus alléchant. En effet, on peut notamment retrouver dans les rôles principaux Keira Knightley (Sabina Spielrein), Michael Fassbender (Carl Jung) et Viggo Mortensen (Sigmund Freud). Quant à l’histoire, celle-ci se déroule au début du siècle dernier et s’intéresse à la naissance de la psychanalyse par l’intermédiaire de deux figures emblématiques que sont Sigmund Freud et Carl Jung. Entre les deux hommes va naître une grande complicité au fil des années jusqu’au jour où Jung va se prendre d’affection pour Sabina, une jeune patiente souffrant de pulsions sexuelles pour le moins particulières. C’est le début d’une liaison dangereuse dont les conséquences vont être aussi inattendues que fondamentales.

En tant que grand fan de Keira Knightley (et de Cronenberg d’une certaine façon), je dois dire que j’attendais beaucoup de ce film et globalement, je n’ai vraiment pas été déçu. Certes la mise en scène est des plus classique mais le propos du film est tellement intéressant qu’on fait volontiers abstraction de la forme pour se concentrer pleinement sur le fond. Et à ce niveau-là, le moins que l’on puisse dire est qu’on est servi. Effectivement, le film relate la naissance de ce qu’on appelle aujourd’hui la psychanalyse par l’intermédiaire de deux experts de l’esprit et d’une patiente assez dérangée mais non moins brillante. Et il le fait au moyen d’expériences psychologiques et de dialogues tous plus intéressants les uns que les autres. C’est un aspect qui peut paraître ennuyeux dit comme ça mais qui ne l’est pas si on décide de s’impliquer un minimum dans l’histoire et de faire un petit travail de réflexion. Car si les trois personnages se rejoignent sur un certain nombre de point, ils ont quand même chacun leur propre façon de voir les choses et c’est lors de leurs échanges qu’on peut réellement prendre conscience de leurs différences et de leurs contradictions. Chacun apportant sa pierre à l’édifice et contribuant à créer une atmosphère à la fois troublante et excitante. Mais selon moi, le grand intérêt du film est également de montrer que les docteurs sont tout aussi névrosés que leurs patients. Et la relation entre Jung et Sabina en est un bel exemple puisque le thérapeute succombe à son attirance physique pour la jeune femme et s’engage dans une liaison charnelle aussi ambiguë que dangereuse.

Mais si le film est aussi intéressant, au-delà de son contenu évidemment, c’est sans aucun doute grâce à la qualité de jeu des trois acteurs principaux. En effet, je les ai tous trouvé très bon, bien que se distinguant dans des registres parfois fort différents. Keira Knightley tout d’abord est absolument remarquable dans le rôle de cette patiente un peu folle souffrant de pulsions masochistes. J’avoue que sa prestation au début du film m’a complètement bluffée car ce n’est jamais évident de jouer à l’écran ce type de trouble qui nécessite de trouver l’équilibre idéal entre ne pas en faire assez et en faire trop. Et personnellement, je trouve qu’elle y est parvenue avec beaucoup de maîtrise. Je ne rejoins donc pas les critiques qui s’obstinent à lui reprocher de surjouer ses personnages. Ensuite, face à elle, Michael Fassbender et Viggo Mortensen ne sont pas en reste et livrent eux aussi une prestation impeccable. Le premier confirme avec ce rôle de Carl Jung tout son talent et s’affirme encore davantage comme une star en devenir. Quant au second, il incarne parfaitement ce rôle de Sigmund Freud et donne, comme à son habitude, beaucoup de charisme à son personnage. Mais plus que leurs performances individuelles, j’ai surtout apprécié les échanges entre les différents personnages, surtout entre Jung et Freud. Si le premier n’hésite pas à se remettre en question, le second en revanche campe sur ses positions et tente d’imposer, avec une élégance verbale non négligeable, ses idées.

En définitive, il est vrai que A Dangerous Method est un film on ne peut plus classique sur la forme mais au combien intéressant sur le fond, et cela en grande partie grâce à la richesse des dialogues. Qui plus est, les acteurs sont vraiment à la hauteur et donnent au film un intérêt particulier. Bref, même si ce n’est certainement pas le meilleur film de Cronenberg, il a au moins le mérite de porter à l’écran un thème pas forcément évidemment à traiter. Une belle expérience pour ma part !

Ayant un peu plus de temps libre en ce mois de février, j’ai décidé de revenir cette semaine sur deux films sortis début d’année qui m’avaient échappé. Et on commence aujourd’hui avec J. Edgar, le dernier film de Clint Eastwood avec Leonardo DiCaprio dans le rôle de Hoover. Outre Leonardo DiCaprio, le casting est plutôt sympa puisqu’il est également composé de Naomi Watts (Helen Grady) et Armie Hammer (Clyde Tolson). Quant à l’histoire, elle s’intéresse bien entendu à la vie publique, mais aussi privée, de J. Edgar Hoover, l’une des figures les plus puissantes, les plus controversées et les plus énigmatiques du 20 ème siècle. Incarnation du maintien de la loi en Amérique pendant près de cinquante ans, il était à la fois craint et admiré, honni et révéré. Mais, derrière les portes fermées, il cachait des secrets qui auraient pu ruiner son image, sa carrière et sa vie…

De manière générale, j’ai plutôt bien aimé ce biopic même s’il ne m’a pas totalement séduit. Tout d’abord pour son manque de rythme évident qui constitue quand même un élément préjudiciable pour un film de plus de deux heures. Effectivement, le film alterne les événements intéressants et ceux un peu plus anecdotiques avec une certaine lenteur, rendant l’ensemble assez mou. Et ensuite, et surtout, pour la qualité du maquillage qui laisse sérieusement à désirer. J’avais eu des échos là-dessus avant de voir le film et je pensais que les gens exagéraient mais malheureusement ce n’était pas le cas. En effet, autant le vieillissement du personnage joué par Naomi Watts était plutôt réussi, autant celui des deux hommes était franchement raté. Ça peut encore passer pour Leonardo DiCaprio mais en revanche, je trouve que ça n’allait pas du tout pour Armie Hammer. Heureusement que l’ensemble du film se déroulait quand même dans une certaine pénombre, sinon les défauts auraient été encore plus visibles. J’avoue que c’est un détail mais je pense vraiment qu’un peu plus de qualité à ce niveau-là aurait grandement facilité l’immersion dans l’histoire. Malgré cela, je ne me suis pas ennuyé pour autant car je connaissais finalement assez peu l’histoire de Hoover et j’ai donc pu apprendre plein de choses que j’ignorais. Même si je pense en définitive que le film aurait été plus intéressant en ciblant certains événements importants de la vie de Hoover plutôt que de vouloir brosser l’ensemble de son existence.

Mais si le film est parvenu à m’intéresser autant malgré sa relative lenteur, c’est avant tout pour la magnifique prestation des acteurs. A commencer par Leonardo DiCaprio qui prouve encore une fois tout son talent avec ce rôle. Je vais certainement me répéter en disant cela mais je n’ai pas encore vu un seul film de sa filmographie dans lequel je ne le trouvais pas convaincant. Et J. Edgar ne fait pas exception à la règle dans la mesure où il est à nouveau très impressionnant dans la peau du célèbre patron du FBI. Je recommande d’ailleurs de regarder le film en VO car tout le travail d’élocution de DiCaprio pour incarner parfaitement le personnage est absolument remarquable. A ses côtés, Armie Hammer est également à son avantage et livre une prestation de grande qualité. De tous les aspects de la vie de Hoover traités dans le film, c’est certainement la relation qu’il entretient avec Clyde qui est la plus intéressante et à ce titre, l’alchimie entre les deux acteurs est vraiment superbe. Je ne vais pas en dire trop pour ne pas gâcher la surprise à ceux qui ne l’ont pas encore vu mais la séquence finale entre les deux hommes est particulièrement émouvante. J’avoue que je ne m’attendais pas à ressentir ce type d’émotion et les acteurs n’y sont vraiment pas étrangers.

En conclusion, J. Edgar est un beau film porté par des acteurs talentueux (DiCaprio en tête) mais qui souffre malheureusement de quelques petits défauts pour s’affirmer véritablement comme un incontournable de Clint Eastwood. Du coup, on ne peut pas s’empêcher de ressortir du film un peu déçu mais c’est une minuscule déception par rapport à celle de son précédent film (Au-Delà).

Je me suis finalement décidé hier à regarder The Descendants, un film d’Alexander Payne avec George Clooney (Matt King) en tête d’affiche. L’histoire se déroule à Hawaï et s’intéresse à Matt King, un avocat qui va voir sa vie complètement basculer du jour au lendemain. En effet, il va apprendre que sa femme a été hospitalisée à la suite d’un grave accident de bateau et quasiment simultanément, il va découvrir qu’elle avait une liaison avec un autre homme. Deux mauvaises nouvelles très difficile à encaisser, d’autant plus qu’il doit dans le même temps s’occuper d’Alexandra (Shailene Woodley) et Scottie (Amara Miller), ces deux filles. Arrivera-t-il à reconstruire sa vie et sa famille dans ce contexte difficile?

J’avoue qu’au départ, j’ai décidé de regarder ce film uniquement car il était nominé aux Oscars. Pas parce que c’est forcément un gage de qualité mais parce que j’aime bien de pouvoir me faire ma propre opinion sur les films sélectionnés par l’académie. Et au final, je suis plutôt mitigé car le film n’a jamais vraiment réussi à m’emporter. J’attendais désespérément le moment où l’histoire décollerait et ce moment n’est malheureusement jamais venu. Du coup, je dois dire que je me suis un peu ennuyé car même si certaines scènes sont assez réussies, le tout manque quand même cruellement de rythme et accumule les longueurs. Mais ce qui m’a peut-être le plus gêné, c’est le ton un peu particulier du film. On est selon moi dans tout ce qu’il y a de plus dramatique et pourtant le film ne cesse tout du long de privilégier les scènes comiques, qui d’ailleurs ne s’intègrent pas toujours très bien. Je sais que ça se passe à Hawaï, un lieu qui véhicule à tout un chacun une ambiance plutôt festive, mais ce n’est pas une raison pour proposer un traitement aussi léger. Personnellement, je pense que le film aurait gagné en qualité en s’affirmant davantage comme un vrai mélo et pas en lorgnant ainsi vers la comédie. D’ailleurs, je ne sais pas vous mais les musiques locales m’ont vraiment cassé les pieds à la longue. C’est sympathique au début mais quand on y a droit toutes les 10 minutes, ça devient vite lourd…

Heureusement, les acteurs sont vraiment à la hauteur et même s’ils ne parviennent pas véritablement à sauver le film, ils lui donnent en tout cas un certain intérêt. Ainsi, j’ai été plutôt agréablement surpris par la prestation de George Clooney. Effectivement, j’ai trouvé que, sans en faire nécessairement des tonnes, il incarnait plutôt bien cet homme un peu déboussolé par tout ce qui lui arrive. Bon après, j’avoue que son jeu me laisse souvent de marbre et que ce film ne fait malheureusement pas exception à la règle. Mais avec le recul, je reconnais quand même qu’il s’agit là de l’un de ses meilleurs rôles. A ses côtés, Shailene Woodley m’a épaté pour son tout premier film et si l’émotion est arrivée jusqu’à moi à certains moments, c’est incontestablement grâce à elle. Je regrette néanmoins que l’évolution des personnages n’ait pas été plus réfléchie car c’était quand même un peu n’importe quoi je trouve. Par exemple, Alexandra passe en 5 minutes de la méchante fille droguée et alcoolique à la parfaite petite fille qui part aider son père à trouver l’amant de sa femme, tâche un peu surprenante pour un enfant d’ailleurs. Bref, les acteurs sont plutôt bons mais les personnages qu’ils interprètent ne sont pas très attachants. Et personnellement, je pense que c’est l’un des éléments qui m’a empêché de rentrer complètement dans l’histoire.

En définitive, The Descendants est un film relativement décevant qui ne décolle jamais, la faute à un scénario plat et banal. Néanmoins, les acteurs jouent bien et sauvent le film d’un naufrage total. En l’ayant vu, j’ai maintenant du mal à comprendre comment il a pu gagner le Golden Globe. Espérons qu’il n’en soit pas de même pour l’Oscar, ce serait quand même dommage.

Il faut dire que malgré le changement d’acteur et de réalisateur, le film semble rester dans la même veine que les précédents et c’est tant mieux. Qui plus est, le réalisateur de ce quatrième opus n’est autre que Tony Gilroy qui est quand même le scénariste attitré de la saga, ce qui constitue indéniablement un gage de qualité. De plus, même si Jeremy Renner n’est pas Matt Damon, il est incontestable qu’il s’agit d’un acteur très à l’aise dans le registre physique et personnellement, je l’apprécie de plus en plus. J’avais déjà aimé ces prestations dans Démineurs, The Town et Mission : Impossible 4 (Protocole Fantôme) mais je dois dire que j’ai vraiment hâte de le découvrir dans un véritable premier rôle comme c’est le cas ici. Quant à l’histoire, on ne sait pas encore grand chose mais d’après la bande annonce, Jeremy Renner semble interpréter un autre agent soumis aux mêmes problèmes que Jason Bourne.

Bref, je vous invite vraiment à découvrir cette première bande annonce si vous ne l’avez pas encore vue, elle devrait vous donner envie de voir le film

D’Artagnan, jeune et audacieux, se lie aux célèbres Trois Mousquetaires afin de déjouer un complot contre la Reine fomenté par des hommes de pouvoir qui utilisent un agent double des plus séduisant… Tel est le pitch du dernier film de Paul W.S. Anderson qui, comme son nom l’indique, n’est autre qu’une adaptation du célèbre roman d’Alexandre Dumas : Les Trois Mousquetaires. Le film réunit un casting plutôt intéressant composé notamment de Milla Jovovich (Milady), Orlando Bloom (Duc de Buckingham), Christoph Waltz (Cardinal de Richelieu), Logan Lerman (D’Artagnan) ou encore Juno Temple (Reine Anne).

Globalement, je dois dire que j’ai été assez déçu par ce film dont j’attendais quand même davantage. Effectivement, la bande annonce était plutôt alléchante et laissait présager d’un film pour le moins original. Et au final, il n’en est rien. C’est un film qui manque cruellement de personnalité au point d’aller emprunter des ingrédients qui fonctionnent dans d’autres grosses productions. Je pense par exemple à Pirates des Caraïbes avec lequel je n’ai pas pu m’empêcher de faire la comparaison de par l’humour du film et les scènes d’affrontement à l’épée. Et quand bien même ces éléments ne suffiraient pas à nous rappeler les aventures de Jack Sparrow, l’intégration des navires (certes volants) règle la question et nous ramène définitivement à la saga de pirates. Je n’ai rien contre le fait de s’inspirer de ce qui fonctionne ailleurs mais quand on le fait, je pense qu’il faut au moins arriver à se démarquer des autres, ou en tout cas faire mieux que ses prédécesseurs. Et ici ce n’est malheureusement pas le cas dans la mesure où la faiblesse du film nous rappelle à quel point les Pirates des Caraïbes étaient bons (en tout cas les 3 premiers).

C’est vraiment dommage car le début m’avait plutôt emballé de par le côté décalé des personnages et les libertés prises par rapport à l’œuvre originale. Mais très vite, cette modernité que je trouvais intéressante dans les premières minutes s’est dégradée pour laisser place à un film sans surprise ne parvenant pas à véritablement s’affirmer. A force de vouloir satisfaire tous les publics, on finit par obtenir l’effet inverse en ne contentant personne. C’est un peu surprenant car je suis, en règle générale, pour la modernisation mais sur ce coup-là, j’avoue que cette version m’a fait regretter L’Homme au Masque de Fer qui était quand même nettement plus efficace car beaucoup plus dans l’esprit des mousquetaires. Sinon, côté casting, je dois avouer que je n’ai pas été spécialement emballé par la prestation des acteurs. Ils ne sont pas mauvais, loin de là, mais j’ai trouvé qu’ils étaient quand même très mal exploités. En effet, Christoph Waltz n’est pas mal du tout dans le rôle de Richelieu mais ses interventions sont assez rares et manquent cruellement d’intensité. Pareil pour Logan Lerman, il est parfait pour le rôle mais son personnage est excessivement prévisible, comme le film d’ailleurs. A la limite, c’est presque Orlando Bloom qui m’a le plus convaincu car c’est plutôt inhabituel de le voir dans le rôle du méchant et j’ai trouvé qu’il s’en sortait honorablement.

Au final, Les Trois Mousquetaires est un film décevant à tous les niveaux. L’histoire est prévisible, les acteurs sont moyens et le scénario regorge de ficelles narratives beaucoup trop grosses que pour véritablement emporter le spectateur. Seul motif de satisfaction selon moi, l’humour omniprésent qui, même s’il n’est pas nouveau, est quand même maîtrisé dans l’ensemble. Bref, un divertissement moyen à voir sans se prendre la tête

Retour aujourd’hui sur Take Shelter, un film de Jeff Nichols mettant en scène un duo particulier composé de Michael Shannon et Jessica Chastain qui interprètent respectivement Curtis et Samantha, un couple ordinaire ayant une petite fille. L’histoire se concentre principalement sur Curtis qui mène une vie paisible avec sa femme et sa fille quand il devient tout à coup sujet à de violents cauchemars. La menace d’une tornade l’obsède et des visions apocalyptiques envahissent peu à peu son esprit. A tel point qu’il décide du jour au lendemain de réaménager complètement son abri anti-tornade. Son comportement inexplicable fragilise son couple et provoque l’incompréhension de ses proches. Rien ne peut en effet vaincre la terreur qui l’habite…

Take Shelter est le troisième film de 2012 que je regarde après Trust et Millénium – Les Hommes qui n’aimaient pas les Femmes et c’est une nouvelle fois un gros coup de cœur. Et pourtant ça ne partait pas forcément très bien car toute la première moitié du film ne m’a pas spécialement emballé. Je ne me suis pas non plus ennuyé mais j’avoue que j’ai eu du mal à rentrer complètement dans l’histoire. En fait, le déclic est survenu à un moment précis, celui où Curtis avoue à sa femme les cauchemars qu’il fait et pourquoi il agit bizarrement depuis plusieurs jours. Dès cet instant, j’ai senti une nouvelle complicité naître entre eux et j’ai vraiment beaucoup aimé tout ce qui a suivi. Les meilleures scènes se trouvent véritablement dans cette deuxième partie selon moi. Je ne vais pas toutes les citer pour ne pas gâcher la surprise à ceux qui n’ont pas encore vu le film mais rien que la séquence dans l’abri est énorme. L’intensité de cette séquence est remarquable et on est à 100% avec eux dans cet abri, suivant avec attention chacun de leurs regards et chacune de leurs répliques. Et puis il faut dire que le thème de la folie est parfaitement exploité et nous incite à nous questionner, tout comme le fait Curtis dans le film. Est-il fou? S’agit-il de cauchemars ou de rêves prémonitoires? Autant de questions qui trouveront une réponse dans le superbe dénouement. Même si tout le monde ne semble pas tout à fait d’accord sur la question

Côté casting, j’ai vraiment été séduit par l’interprétation de Michael Shannon et Jessica Chastain. Je connaissais le premier depuis pas mal de temps, et il m’avait notamment fait une bonne impression dans Les Noces Rebelles, mais j’attendais avec impatience un film où il aurait le premier rôle pour voir vraiment de quoi il était capable. Et je n’ai pas été déçu puisque dans Take Shelter, il confirme sans problème tout le bien que je pensais de lui. Et pourtant, Dieu sait que c’est difficile de jouer un personnage fou, ou prétendument fou en tout cas. Et il s’en sort très bien avec une interprétation à la fois intense et émouvante. Quant à la seconde, je l’avais découverte à regret dans The Tree of Life avant d’être agréablement surpris par sa prestation dans La Couleur des Sentiments. Et fort heureusement, sa performance ici est tout à fait à la hauteur de celle qui lui vaut sa nomination de meilleure actrice dans un second rôle aux prochains Oscars. Mais plus que la magnifique performance des deux acteurs, je retiens surtout la relation si particulière de leurs personnages dans le film. En effet, même si tout ne fonctionne pas comme ils le voudraient, ils s’aiment terriblement et c’est ensemble qu’ils parviennent à surmonter toutes les difficultés. Et encore une fois, toute la séquence dans l’abri anti-tornade suffit à elle seule à prouver l’amour qu’ils se portent mutuellement.

En définitive, Take Shelter est un formidable film qui monte en puissance progressivement pour nous offrir un dénouement absolument sublime et puissant. Qui plus est, les acteurs sont bons et la mise en scène n’a rien à envier à certains grands films. Seul regret me concernant, la relative lenteur du film dans sa première partie qui m’empêche de lui mettre une note encore meilleure. Mais quoi qu’il en soit, c’est un film à voir impérativement !

Il aura fallu un peu de temps mais j’ai enfin vu Millénium – Les Hommes qui n’aimaient pas les Femmes, le dernier film de David Fincher que j’attendais avec impatience. Pour rappel, il s’agit de l’adaptation cinématographique du premier volet d’une trilogie littéraire à gros succès. Le début du film se concentre sur Mikael Blomkvist (Daniel Craig), un journaliste économique du magazine Millénium. Condamné pour diffamation, il décide de prendre de la distance avec sa vie et son métier. Mais Henrik Vanger (Christopher Plummer), grande figure de l’industrie suédoise, fait appel à lui afin d’enquêter sur un meurtre non élucidé, celui d’Harriet Vanger, nièce du grand homme et disparue à l’âge de seize ans. Au cours de ses recherches, Blomkvist se rend compte que la famille Vanger semble cacher bien des haines et des secrets. Dans le cadre de son enquête, le journaliste est amené à rencontrer Lisbeth Salander (Rooney Mara). La jeune femme de vingt-quatre ans possède un don exceptionnel, celui de découvrir des informations introuvables. Tous deux vont être amenés à se croiser dans une enquête qui va révéler beaucoup plus que ce que chacun aurait pu imaginer…

Avant d’aller plus loin, je tiens à signaler directement que je n’avais pas vu les films originaux ni lu les livres auparavant, je n’avais donc aucun élément de comparaison possible. Il faut dire que quand j’ai entendu que David Fincher allait adapter Millénium, je me suis forcé à ne pas regarder les autres pour pouvoir apprécier celui-ci à sa juste valeur. Et c’est ce qui c’est passé, je l’ai vraiment beaucoup apprécié, pour ne pas dire adoré. Pour dire vrai, dès l’intro (absolument grandiose), j’ai senti que j’allais passer un très bon moment. Certes le début du film est un peu confus car il faut appréhender le problème et identifier précisément l’ensemble des membres de la famille mais ça ne m’a pas empêché pour autant de rentrer dans l’histoire. D’ailleurs, je n’ai plus décroché jusqu’à la fin alors que le film dure quand même près de 2h30. Un peu comme Zodiac d’ailleurs qui durait aussi assez longtemps et qui m’avait tenu en haleine tout du long. Bref, Fincher est vraiment à l’aise dans le développement des enquêtes et il le prouve une nouvelle fois avec ce Millénium. Je ne vais pas trop parler du style car personnellement je suis assez fan de son travail mais je suis toujours particulièrement admiratif de l’ambiance qu’il arrive à insuffler à chacun de ses films. Et Millénium ne fait pas exception à la règle de part son ambiance excessivement terne et sombre.

Mais si j’ai autant aimé ce film, c’est en grande partie pour la prestation époustouflante de Rooney Mara. Très franchement, elle m’a complètement bluffée. Je l’avais découverte comme beaucoup dans The Social Network où elle avait un petit rôle et je ne m’attendais pas à ce qu’elle soit choisie dans la foulée pour interpréter Lisbeth Salander car elle me semblait presque “trop” jolie pour le rôle. Mais au final, force est de constater que David Fincher a eu du flair car elle est absolument impressionnante. Je l’ai trouvée totalement investie dans son personnage. Un personnage pour le moins tourmenté mais quand même touchant dans le fond. Tout le début du film où on la découvre se débrouiller pour gagner de l’argent est d’ailleurs très réussi car il nous permet de savoir immédiatement à quel genre de personne on a affaire. Bref, elle n’a vraiment pas volé sa nomination de meilleure actrice aux prochains Oscars. A ses côtés, j’ai trouvé Daniel Craig plutôt efficace dans la peau de ce journaliste mais tout de même en retrait par rapport à sa partenaire. Effectivement, je ne vois rien de particulier à lui reprocher mais j’avoue personnellement que je n’avais d’yeux que pour Rooney Mara. Néanmoins, j’ai trouvé que le courant passait plutôt bien entre les deux et ça se ressentait à l’écran, malgré des échanges parfois tendus.

En conclusion, Millénium – Les Hommes qui n’aimaient pas les Femmes est un superbe film porté par des acteurs talentueux. A commencer par Rooney Mara qui s’affirme déjà avec ce rôle comme une grande actrice avec qui il faudra compter dans le futur. Je ne sais pas vous dire si le film m’aurait un peu moins plu en ayant vu les précédents mais j’ai en tout cas marché à 100 % dans celui-ci. J’en attendais beaucoup et je ne suis absolument pas déçu ! 2012 commence très bien

Sans plus attendre, voici donc le nombre de points que chaque actrices a comptabilisé :

Vous l’aurez compris, c’est donc la belle, et non moins talentueuse, Keira Knightley qui s’impose dans cette première édition. Elle devance Mila Kunis qui monte sur la deuxième marche du classement et Kristen Stewart qui complète le podium. Au vu des résultats et malgré le faible taux de participation, on s’aperçoit que ces trois actrices se détachent quand même nettement des autres. Mais il faut nuancer ces résultats en se rappelant qu’elles n’étaient que 8 cette année au lieu des 12 habituelles. Nul doute que ça devrait être plus serré l’année prochaine.

En l’honneur de la gagnante, voici encore quelques clichés de l’actrice anglaise que l’on retrouvera cette année à nouveau sous la direction de Joe Wright dans Anna Karenina. Et quand on sait ce que leurs précédentes collaborations ont donné, on ne peut que se réjouir.